15 – Pintura

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Picasso, Rothko, Pollock: Encuentra una imagen de la pintura de uno de los artistas arriba y postéala aquí como un link; escribe una breve explicación de la obra. Tal vez describas de qué es; qué, en tu opinión, está intentando comunicar; por qué es importante; y una breve comparación o contraste con otra obra que hemos estudiado este semestre.

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32 Responses to 15 – Pintura

  1. Domilid Guzmán says:

    Las pinturas de Pablo Picasso son las que más me han llamado la atención. Me llaman la atención como la abstracto puede tener diferentes significados a la vez. El uso de colores y formas despierta el interés en mi ya que es increíble como todo encaja para crear una forma. Picasso comenzó a pintar desde muy temprana edad para luego convertirse en uno de los primeros en aportar al movimiento moderno. Cada una de sus obras tienen algo en particular, su estilo unico el querer reflejar las cosas de manera distinta a todos los demás pintores hace que haya alcanzado el éxito. De sus obras la más que me llama la atención es “El Autorretrato “. Me impresiona como el decidió pintarse así mismo.Se pintaba en épocas diferentes y en todas de manera distinta.Siempre llevaba una leve expresión qué tal vez no tenía significado alguno. “El Autorretrato “ de mi interés lo es el de 1907 no contiene ningún rasgo natural en el. En esta obra utilizó la influencia del arte africano con su nariz desproporcionada y los ojos enormes forma su persona. Me encanta que haya utilizado otra cultura totalmente diferente a la suya para poder mostrarse y pienso que es un gran gesto de el, el destacar el estilode otros pintores de nacionalidades distintas.

  2. Karinna M. Cedo Negron says:

    El sueño (también conocido con su nombre en francés, Le rêve)​ es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1932. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista.

    Esta obra representa a una mujer que esta dormida, en un sillón con la cabeza hacia atrás y el rostro partido en dos y los senos al descubierto. ​Es importante porque marca una parte de la vida de Picasso. Además de los trazos cubistas y los colores al óleo, esta obra guarda la historia de amor entre la joven de 15 años y Picasso, que cuando la conoció tenía 46 años. Algunos relatos cuentan que Picasso conoció a la joven un día que salía de las galerías Lafayette en París; le llevó a una librería para mostrarle ejemplares de su obra y luego vivieron en el castillo de Boisgeloup, donde pasaban largas sesiones de trabajo. El pintor aún estaba casado con la bailarina rusa Olga Khokhlova, madre de su hijo Paulo. Thérèse Walter y Picasso tuvieron en 1935 una hija llamada Maya.

    Comparo esta obra con Les Demoiselles ya que ambas muestran mujeres con el mismo estilo y senos por fuera.

    https://en.wikipedia.org/wiki/Le_R%C3%AAve_(Picasso)#/media/File:Le-reve-1932.jpg

  3. Walfreddy Castillo says:

    La Vie, una pintura echa por Pablo Picasso en mayo del 1903 la cual contiene a una pareja desnuda que se están abrazando, confrontando a una mujer que sobre sus brazos carga un bebe. Parecen estar en un estudio el cual en la parte de atrás se encuentra dos pinturas mas recostadas sobre el suelo en las cuales la superior presenta otra pareja desnuda arrodilladas y apegadas y en la posterior se presenta una figura de un hombre solitario y desnudo recogido en tristeza. Básicamente, pienso que presenta una pareja la cual entrego su bebe porque no lo querían y después de el tiempo concurrido se arrepintieron y por eso aparecen como si estuvieran tristes y tratando de negociar algo con la mujer que anda con el bebe y pienso que la razón por la cual se les muestra desnudo mientras que la mujer con el bebe sobre sus brazos no, indica cierto tipo de decisión correcta e incorrecta para él bebe nacido. En otras palabras, un mejor futuro como decisión, pero pienso que ya la decisión mentalmente esta hecha por lo que se presenta en las pinturas atrás las cuales muestras en la parte superior a una pareja sufriendo y de rodillas que hipotéticamente pueden ser los mismos en la habitación. Y la posterior puede representar el bebe cuando adulto si se decidiera entregársele de nuevo ya que presenta un hombre solo porque en mi opinión… el que abandona una vez, lo volverá a hacer.

    https://www.google.com/search?q=pablo+picasso+la+vie&client=firefox-b&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwi0lKCY16TbAhWB3VMKHbKICyQQ_AUICigB&biw=1366&bih=654#imgrc=_

  4. Billy J. Erazo Flores says:

    La pintura que llamo mi atención fue “La Vie” pintada en el 1903 por Pablo Picasso. Esta pintura se encuentra en el Museo de Arte de Cleveland. Lo mas que me impacto no fue en totalidad la pintura si no que por que Picasso la creo. Durante ese tiempo Picasso estaba pasando por lo que se nombre el “Periodo Azul”. Se llama de esta manera por que la mayoría de sus artes involucraban el color azul. Utiliza este color para combatir la rabia que sintió al pensar que dejo a su mejor amigo, Carlos Casagemas, durante su periodo de depresión donde acabo suicidándose luego de un fallido intento de matar a la mujer que amaba. En la pintura el hombre que se observa es Casagemas donde realiza una posición rara con su mano izquierda y su pie izquierdo. También en la obra se observa a Casagemas recibiendo afección de una mujer desnuda que no se conoce quien es. Con la obra que lo puedo contrastar que a sido estudiada en clase seria Las meninas, porque en la obra se puede observar otra pintura dentro de esta. En este caso se observan dos. Los expertos comparan la pintura que se ve abajo con la obra de Vincent Van Gogh llamada “Sorrow”.

    Imagen : https://www.cleveland.com/arts/index.ssf/2012/12/the_cleveland_museum_of_art_pr.html

  5. Marianna Scarpato says:

    Pablo Picasso y el Cubismo

    Pablo Picasso (1881-1973) pintor de Málaga, es considerado como uno de los artistas más prolíferos del siglo XX. Era hijo del pintor vasco y profesor de arte, José Ruiz Blasco y de la andaluza María Picasso López, de origen italiana (el bisabuelo era de Génova). Posteriormente adopta el apellido de la madre en su carrera artística. Su padre le sirvió de guía y maestro, pero muy pronto su hijo lo superó en talento. En Málaga obtuvo su primera formación artística y los colores y olores de su tierra sin lugar a dudas enriquecieron su arte. Los próximos escenarios de su formación artísticas serán Madrid, Barcelona y París. En aquellos momentos París era la ciudad con los fermentos del arte moderno y con una visión de la vida más abierta que la cerrada y tradicional Andalucía. Fue un fenómeno en el arte y uno de los máximos exponentes del “cubismo”. Su producción artística es muy vasta y van desde pinturas, esculturas, acuarelas, grabados, hasta cerámica. Tuvo una vida larga, intensa y perspicua, llena de relaciones amorosas, vivió hasta los 91 años. Creó una nueva visión universal del arte con una nueva forma de mirar el mundo y en su pintura expresó sus propios sentimientos. Yo diría que en la pintura después de Leonardo da Vinci, fue el más innovador. Deseaba inventar cosas nuevas y desafiar la tradición clásica. Rompió con las viejas reglas e inventó las suyas. Quería tener su propio estilo y autonomía. Muchas veces los pintores se vuelven famosos después de la muerte, pero Picasso en esto fue distinto. En vida obtuvo prestigio, fama y riqueza. Cada vez más sus cuadros adquirían valor vertiginosamente. El video asignado sobre Picasso nos lo presenta como un hombre pasional, dramático, exuberante, obsesionado con las mujeres, sobre todo jóvenes porque eran musas y fuente de inspiración. Un hombre sin valores ni principios. No temía al qué dirá de la sociedad pues estando casado mantenía relaciones con amantes, a veces oficiales, otras secretas. Lo demuestra la relación que tuvo con la amante Marie -Therese Walter, quien tenía 17 años comenzó su aventura, mientras que Picasso tenía 50 y estaba casado con su primera esposa Olga Koklova. Su arte se entreteje fuertemente con su vida personal y lo reflejan las innumerables pinturas dedicadas a sus amores. Fueron amores crueles y violentos. Algunas de ellas se suicidaron y otras quedaron mal mentalmente. En sus obras inmortalizó su vida intensa y atormentada. Sostenía que el arte era su única fidelidad. Pintores contemporáneos como Gauguin, Cèzanne y Matisse influyeron notablemente en la carrera artística de Picasso, pero de ellos consideraba a Matisse su verdadero rival y quiso demostrar que él era el verdadero pintor radical, no Matisse.

    Con el cuadro de “Las Señoritas de Avignon”, Picasso comienza propiamente el “Cubismo” y comienza a pintar figuras cónicas completamente geométricas, desalineadas o invertidas. Los críticos del arte dividen su pintura en dos periodos: el azul y el rosa. El primero pertenece a los primeros años de vida artística donde la monocromía del azul representa la tristeza, el dolor, el malestar, la soledad. Véase su autorretrato en olio sobre lienzo del 1901. En cambio, el rosa y sus matices, corresponden a los años de fama y prestigio y reflejan optimismo, alegría. Picasso utiliza los colores para delinear y transmitir sus sentimientos. Estaba en contra del “Impresionismo” pues pensaba que se tenía que pintar lo que se sentía, no lo que se veía. Con sus pinturas quería seducir y provocar.

    Entre la vasta gama de sus pinturas escogí el cuadro “El Sueño” (“La Rève) 1932. Es una pintura en olio sobre lienzo y representa totalmente el estilo cubista de Picasso. La dedicó a su amante Marie-Thèrese, quien le sirvió de modelo. La pintura presenta una mujer dormida (tema recurrente en muchas de sus pinturas, véase “La Dormeuse aux Persiennes”) en una butaca con la cabeza inclinada hacia el lado, con un rostro plácido y sensual, dividido en dos partes para crear varias visiones ya sea frontal y lateral y los brazos apoyados sobre las piernas. Un cuerpo de formas redondas y con la camisa dócilmente caída dejando fuera un seno como símbolo de la sexualidad femenina. Utiliza colores brillantes como el rojo, amarillo, verde y azul. Observando esta pintura me viene en mente como si fuese la “Monalisa” del siglo XX. Entre ambas pinturas encuentro bastantes analogías, Picasso como Leonardo, aunque con técnicas, modos y periodos diferentes exaltaron la mujer poniendo en relieve el rostro y la sensualidad, si bien la de Picasso más provocativa y sexual. Las dos están sentadas con los brazos apoyados sobre las rodillas y expresan una suave sonrisa enigmática.

    Enlace a la obra:

    https://www.google.com/search?q=el+sue%C3%B1o+pablo+picasso&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwj3mrKN26PbAhWE6lMKHXKIA_kQ_AUICigB&biw=1366&bih=603#imgrc=4uQuG5wqQsETFM:

  6. Angelica M. Gonzalez says:

    El sueño, en es un cuadro del pintor español Pablo Picasso de 1932. En esta obra Picasso muestra a su amante Marie-Therese Walter sentada en un diván y con los ojos entrecerrados, los brazos doblados, la cabeza ladeada y los senos al descubierto. A la hora de pintar el cuadro, Picasso optó por simplificar, reduciendo las formas a volúmenes esféricos. “El sueño” había sido la estrella de la subasta de la colección Ganz, en 1997, al venderse por 48.4 millones de dólares en medio de una exitosa venta en la que otras obras de Picasso, como una versión de “Las mujeres de Argel “, fueron vendidas por precios excepcionales. Esta pintura fue seriamente dañada por su dueño, el magnate de los casinos de Las Vegas Steve Wynn, cuando, al enseñarla a unos amigos, hundió accidentalmente su codo en el lienzo, provocando un considerable agujero en el mismo. Según parece, Wynn había llegado a un acuerdo con el también multimillonario Steven Cohen para vender la sensual obra por 139 millones de dólares, lo que la convertiría en la pintura más cara jamás vendida, superando al “Adele Bloch bauer” de Gustav Klimt, vendida por 135 millones, pero tras el accidente, decidió no hacerlo por considerarlo “una profecía”, aunque es de suponer que Steven Cohen también se habría replanteado la compra. El accidente redujo el valor del cuadro a 85 millones de dólares. En mi opinion es como el pintor admira la belleza de una mujer cuando esta en silencio o calmada solo su fisico en una tranquilidad, muestra o comunica admiracion hacia la mujer.

    http://www.telam.com.ar/advf/imagenes/2013/04/5161cfaf90cc0_645x430.jpg

  7. Gabriela I Maldonado Marty says:

    Pablo Picasso, quizá el pintor mas famoso y reconocido del siglo XX, creó obras transcendentes del movimiento cubista post-moderno, entre ellos la famosa pintura titulada “El sueño”. Esta obra, creada en el 1932, es un retrato de Maria-Teresa, su esposa y modelo en ese momento de su vida. Representa a la mujer dormida, recostada sobre una butaca, con la cabeza recostada hacia un lado, los brazos doblados y los senos al descubierto. Sus trazos cubistas se representan en el perfil del rostro, el cual esta dividido desde la frente hasta la nariz. Ademas, se observa el seno perfectamente redondo de la mujer como símbolo femenino. Picasso utiliza esta y otras obras para demostrar su nueva visión sensual de la feminidad. Incluso, la mujer en este retrato se ve pacifica y feliz, lo que nos representa una imagen de como el sueño nos ayuda a “salir de la realidad”. Picasso no solo representó a la mujer como una entidad sensual, sino que tomo esta pacificidad del sueño para representar un tipo de “vulnerabilidad” en la etapa soñolienta en el ser humano. Esta obra, entre muchas otras, en un magno ejemplo del arte post-moderno con sus técnicas cubistas y métodos no tradicionales de la pintura.

  8. Gualberto Santana Irizarry says:

    Pablo Picasso, es principalmente reconocido no solo por su talento para el arte, sino por su capacidad para constantemente reinventarse e innovar el campo. Habiendo vivido unos 92 años, logró hacerlo al menos tres veces si se toman en consideración sus etapas “Azul”, “Rosado” y, sobre todo el periodo del Cubismo. Esta última es, indudablemente, la disciplina en la que su legado es de mayor grado. Asimismo, su larga vida conllevó la creación de un extenso número de obras, sobre todo porque pintó desde temprano en su niñez, habiendo aprendido de su padre (también pintor) hasta el momento de su muerte. No ha de ser sorprendente que la mayoría de ellos sean del estilo cubista pues prácticamente tiene autoría del movimiento. Aun así, sí es sorprendente el número de obras cubistas que pintó en tan corto tiempo que estuvo en auge: 1907 a 1920 aproximadamente.

    De entre su amplia selección escogí la obra: “Mesa frente a la ventana” que forma parte de la colección “Naturaleza muerta delante de una ventana en San Rafael” iniciada en 1919. En ella, como muy directamente indica su título, se ilustra una imagen semejante a una mesa que está posicionada delante de una ventana abierta que permite al espectador ver un simple paisaje del mar. Sin embargo, el foco del cuadro es la mesa, pues es la pieza de mayor influencia cubista, así como el mantel, la guitarra, partituras y otras figurillas que se hallan sobre la misma. Las patas de la mesa pueden verse en diferentes posiciones y alturas con respecto al “tope” de la mesa en base a la variedad de perspectivas que se sugieren a través del cuadro. Las partituras, al igual que las ventanas, fuera de su figura geométrica, no parecen tener gran influencia de las perspectivas y un caso similar aplica para la guitarra. Ahora bien, el mantel y, las figurillas sí. Debido a la diferencia en planos, parece como si solo la mitad de la mesa tuviera el mantel puesto y las figuras sobre ella parecen paneles mayormente triangulares. Una, en específico se asimila a la silueta de una especie de ángel.

    Dado a que esta obra es una representación de materiales inanimados no creo tenga mucho potencial para simbolizar o comunicar temas específicos o complejos de descifrar. No obstante, el escenario escogido por Picasso para representar sí podría conllevar un significado. La guitarra, instrumento que presuntamente se originó en España podría hacer alusión a su tierra natal, dando un toque de costumbrismo al cuadro de manera sutil, algo incógnita. Tomando en consideración que para el tiempo en que se pintó la obra Picasso llevaba varios años en Francia, podría extrapolarse que se trataba de una manifestación de cuánto extrañaba a su tierra. En segundo lugar, la selección del paisaje podría simbolizar que Picasso buscaba retirarse a un ambiente semejante a este en busca de serenidad. Sin embargo, nuevamente tomando en consideración el contexto espacial e histórico en que la obra fue creada, podría sugerirse un sentido de añoranza hacia España. Esto se infiere porque la ventana muestra el mar y Francia no tiene acceso al mar, pero España, en especial Andalucía (de donde provenía el famoso pintor) sí. Esta hipótesis se ve respaldada por el título de la colección a la que “Mesa frente a la ventana” pertenece. San Rafael podría referirse a: San Rafael, una provincia de Segovia al centro-norte de España o a la Hacienda de San Rafael en Andalucía.

    Escogí esta obra porque me llamó la atención la prevalencia tan frecuente de las guitarras en gran parte de las obras de Pablo Picasso, incluyendo varias (sino todas) las de la colección aquí mencionada y “Los tres músicos” mostrada en clase. En adición, mi elección se debió al hecho de que esta ilustración es capaz de plasmar las características del cubismo al mismo tiempo que la influencia del costumbrismo. También porque era capaz de hacerlo sin la complejidad de la mayoría de los cuadros cubistas. Con tonos algo más claros y vivos, esta obra incorpora la abstracción que Picasso había comenzado a inspirar en la comunidad artística y que definía en gran parte al Modernismo, a la vez que presenta la belleza de un escenario como ese.

    Link (“Mesa frente a la ventaja”):
    https://www.todocuadros.es/pintores-famosos/picasso/

  9. Angelie T. Nieves Jiménez says:

    Guernica, pintada en el 1937 con óleo sobre lienzo, es una obra por Pablo Picasso fiel a la época. La obra fue inspirada por los bombardeos de la aviación alemana sobra la villa Guernica. Quisiera comparar esta gran obra con otra obra hermosa de Picasso, que me resultó sumamente interesante, llamada Le Baiser que significa “El Beso”. Esta fue pintada en el 1930 con aceite y carbón en una puerta de madera. La pintura se basa en el matrimonio del artista y es un beso de dos personas pero la boca es diferente, se le conoce como la “vagina dentata”.
    Las pinturas tienen bastante en común. Diría que de simple vista uno nota que ambas son cubistas y usan los colores negro y blanco a cabalidad. El color blanco y negro en estas obras simbolizan tragedias de Picasso y hacen referencia a su vida y a los acontecimientos de la época. Recalco que también fueron pintadas por Picasso en los años 30 como mencionado anteriormente. Guernica se encuentra bajo la custodia del Museum of Modern Art en Nueva York, mientras que Le Baiser se encuentra actualmente en el Picasso Museum en París. Ambas al verlas son diferentes y atraen al público. Una de las diferencias inmediatas es que Le Baiser incluye los colores azul y verde además del blanco y negro. También, Guernica incluye muchísimos mas personajes, por lo que la hace más detallada.
    https://www.pinterest.com/pin/6614730678749343/

  10. Andrea N. Mercado says:

    Decidí escoger uno de los muchos autorretratos de Pablo Picasso, en este caso uno de sus últimos autorretratos, el que hizo cuando tenía unos 90 años, el 28 de junio de 1972. Esta pintura es evidentemente cubista, ya que nos muestra su rostro desde distintos puntos de vista y distintas perspectivas sobre una sola superficie plana. En la pintura podemos ver ojos, uñas, una oreja, lo que parece una lengua, pelo, y otras formas que no puedo distinguir a simple vista. Utiliza colores como el rosa, rojo, azul, violeta, negro, blanco, anaranjado, algunos tonos de verde y crema. La pintura me hace pensar que en el momento en que la realizó estaba perturbado; la pintura da un sentimiento de ansiedad o quizás un poco de locura. Aquí Picasso rompe una vez más con lo tradicional y nos muestra un autorretrato sumamente único, cubista y que nos invita a verlo a él como el mismo se veía en ese momento. Podemos comparar este autorretrato con el autorretrato de Diego Velázquez insertado en su pintura de Las Meninas, aquí podemos ver el contraste entre los distintos estilos de los artistas y entre la manera en que cada uno se ve a sí mismo.

    https://www.boredpanda.com/pablo-picasso-self-portrait-style-evolution/?media_id=pablo-picasso-self-portraits-chronology-3

  11. Paola M Acevedo Lorenzo says:

    La pintura que escogí es del famoso pintor español, Pablo Picasso y se titula Le rêve o “El sueño”. Esta obra es en el estilo del cubismo, utilizando la técnica de pintura al óleo. Es un cuadro con una mujer dormida, con su cabeza inclinada haca una lado y descansando en el sillón. Tiene los brazos doblados y las manos una sobre otra. Su rostro está partido en dos y posee una sonrisa misteriosa, además que tiene un seno al descubierto, lo que simboliza feminidad. Esta mujer es Marie Therese Walter, posible amante del pintor cuando esta solo tenía 15 años y él 45 años. Se dice que en ese momento, Picasso estaba casado con Olga Khokhlova, pero luego tuvo una hija con Therese. Se puede ver cómo el pintor realiza su rostro de manera que se vea sensual pero tierna y suave al mismo tiempo. Se puede concluir que es una persona importante para él y sentía cariño por ella, por lo que utiliza su arte para expresarlo. Su rostro refleja paz, quizás la misma paz que sentía Picasso al estar con ella, pues se decía que atravesaba por problemas con su esposa. A su vez, se comenta que la mitad de su cara es representado por el órgano sexual masculino, expresando así la relación que sostenían.
    Esta pintura, se puede comparar con la obra de Leonardo Da Vincci, “La Gioconda”. Comenzando porque al igual que Marie Therese, se creía que Lisa Gherardini era la amante de Da Vincci. Además, al comprar las dos pinturas, se puede ver la similitud en sus sonrisas, siendo estas misteriosas. Por otra parte, en ambas obras, las mujeres tienen los brazos cruzados y la mano derecha está por encima de la izquiera. En el caso de “La Gioconda”, se observa un desnivel en el paisaje del fondo, sin embargo, en “El sueño”, el desnivel se puede observar en los hombros de Therese. Se puede destacar que ambas poseen una especie de manto sobre ellas. En mi opinión, la obra de Picasso es una representación de la Mona Lisa pero más provocativa.

    https://www.slobidka.com/images/picasso/Picasso-48.jpg
    http://www.elmundo.es/cultura/2016/01/26/56a5f1d5e2704e49718b460f.html
    https://www.slobidka.com/pablo-picasso/154-picasso-el-sueno.html
    http://servicios.diariosur.es/picasso/mujeres2.htm

  12. Diego Alfonso Gonzalez Perez says:

    http://humanemotionz.blogspot.com/2011/05/hear-old-guitarist-by-pablo-picasso.html

    La pintura que escogí se le conoce como “The Old Guitarist” y fue pintada por Pablo Picasso. Pablo Picasso fue uno de los artistas más conocidos en la historia del ser humano. Nació en el 25 de octubre del 1973, y se le atribuye el cubismo. Picasso la pinto a principios de los 1900′s, la trabajo con aceite. La obra nos presenta un hombre viejo, ciego y “necesitado” que tiene unos ‘trapos” por ropa y está inclinado sobre su guitarra en las calles de Barcelona, España. Esta obra me gusta mucho por la tonalidad de los colores que escogió Picasso. Tienen un efecto que crea una atmósfera en la pintura y captura la atención de manera que hace que uno se imagine el resto de la escena que está mostrándonos Picasso. Yo me imagino una calle en Barcelona con mucho tráfico de gente y en el fondo una guitarra tocando flamenco. Picasso pinto “The Old Guitarist” poco después del suicidio de uno de sus mejores amigos: Casagemas. Casagemas era un artista también y era conocido por tratar de comunicar la realidad de la pobreza. Picasso como tributo hace algo similar con esta obra enfocándose en un viejo guitarrista acompañado solo por su guitarra.

  13. Kiara M. López Figueroa says:

    La pintura que selecciones fue creada por Pablo Picaso uno de los pintores mas famosos de la historia. La pintura escogida fue: “Mujer de brazos crusados” , creado en el 1902 en lo que llamaron el periodo azul de Picaso. Fue vendido por 55 millones de dolares. Esta pintura llamo mucho mi atención por el simple echo de la expresión que la mujer lleva en su rostro. El rostro esta echo de tal manera que podemos presenciar una mujer tanto sera molesta, triste o hasta enferma. Es difícil poder entender cual es el estado de animo real de la mujer de esa imagen. Muestra un rostro de desepcion, de la perdida de algun hijo, de maltrato, etc. Cosas así son las que puedo imaginar al ver el rostro de esta mujer. Esta misma polémica sucede en muchas de las pinturas de Pablo Picaso en las que es difícil saber lo que de verdad quiere expresar. Picaso hizo esta pintura después de la muerte de su amigo Carsagema, lo que me hace pensar que esa mujer esta reflejando como el se sentía en esos momentos por la perdida de ese amigo. Esta pintura la comparo con la de "Guernica" ya que en esta al igual que en " La mujer de brazos cruzados" es difícil de saber lo que quiere dejar llevar. En esta pintura hay muchos rostros pero algunos parecen ser tristes y otros asombrados, cosa que también hace muy dificil entender el mensaje que quiere transmitir.

    https://www.google.com/amp/s/culturacolectiva.com/arte/pinturas-de-picasso-famosas/amp/?source=images

  14. Samuel D. Torres Sáez says:

    Opté por describir la obra “Mujer ante Espejo” (1932) de Pablo Picasso. Sin duda, Picasso es uno de los pintores mas importantes en la historia humana. Nacido para el 1881 en Málaga, España, este artista revolucionó la manera en que se creaba el arte mediante la introducción de numerosas técnicas y tendencias, entre las cuales se destaca el cubismo. En esta obra, repleta de colores, Picasso dibuja a una mujer que parece estar observando su reflejo en un espejo. Aunque lo que se está representando es una escena de la vida cotidiana, Picasso logra transformar su creación mediante el uso del cubismo y la diferenciación simétrica de colores, con los cuales parece mostrar una dualidad de la mujer protagonista. Siendo más específico, creo que el haber pintado la mujer con colores claros y llamativos, pero haber usado colores oscuros y opacos para su reflejo intenta llevar el mensaje de que la apariencia engaña – que el ser humano puede tener un lado interno “oscuro” en comparación con el lado externo que normalmente presenta. Otro aspecto interesante es que la mujer parece estar dividida en dos: su lado izquierdo semeja más a una persona joven (época de la niñez), mientras que el derecho se asimila a la adultez de una mujer. Además, el elemento del espejo es de suma importancia aquí, por lo que me recordó de la obra “Las Meninas” de Velázquez, que estudiamos en clase. Aunque el rol del espejo no era exactamente el mismo (representar el poder de los reyes versus proveer otra perspectiva del ser humano), pienso que su uso le brinda a ambas obras una nueva dimensión en cuanto al significado y mensaje que proveen. En fin, me imagino que hay muchísimas interpretaciones a lo que Picasso nos está presentando, y por eso pienso que es una obra importante: no solamente forma parte del comienzo del movimiento cubista, pero en sí brinda un mensaje acerca el ser humano que nos invita a pensar y analizar con detenimiento.

    Obra:
    http://2.bp.blogspot.com/-IQgYkUUJT6o/Uu0LlJzlVII/AAAAAAAABC0/0pDSyLwRh4I/s1600/mujer+ante+el+espejo+picasso.jpg

  15. Jose M. Hernandez Puig says:

    Uno de los pintores mas influyentes del siglo XX y de la historia humana, lo es Pablo Picasso. Nacido en España aunque vivió la mayoría de su vida en Francia. Lo que funciono de trampolín para que se convirtiera en uno de los pintores mas famosos de la historia fue su técnica desarrollada llamada cubismo. De esta manera, Picasso cambió el rumbo del arte para siempre. El movimiento cubista era algo nunca antes visto, extremadamente diferente a lo usual. Aunque se podría considerar abstracto, sus obras aun eran reconocibles.
    Pablo Picasso, en su obra Las Meninas, recrea la obra de Diego Velazquez. Comparandolas una con la otra, la de Picasso es una pintura que los elementos son una copia a la original de Velazquez, pero parecerían dos obras sin relación, pues Picasso la crea a su manera. En 1950, hablando de la obra el pintor dice: “El reto seguramente me llevaría a modificar o cambiar la luz debido a haber cambiado la posición de un personaje. Entonces, poco a poco, serían unas Meninas detestables para un pintor tradicional, pero serían mis Meninas”. En mi opinión, Picasso logra copiar una de las pinturas mas famosas de la historia, pero utilizando su individualidad y sus técnicas propias. Aún así, rindiendo tributo al gran Diego Velazquez. En su obra, me resulta interesante el perro, pues parecería que lo dibujó un niño de 5 años sin habilidades en el arte, pero es su perro. Quizás otro pintor hacia el perro con su anatomía exacta. Esa diferencia es lo que probablemente hace a Picasso uno de los mas admirables, uno de los mas grandes.

    https://cdn-images-1.medium.com/max/1110/1*4YIyDWWxUHlYjOPmcvw5aw.png

  16. Juliana Bacó Padilla says:

    Pablo Picasso fue una gran figura, si no , la más destacada en el arte posmodernista. Picasso, un pintor español, se caracterizaba por utilizar la abstracción en sus pinturas. Tanto así, Picasso fue el creador del cubismo como movimiento artístico. El uso del cubismo es lo fascinante de las obras de Picasso, ya que es una técnica no tradicional que marca el inicio de un nuevo movimiento y perspectiva artística. Entre las obras de Picasso puedo destacar La mujer que llora. Este cuadro es muy llamativo debido a los colores utilizados y la técnica de figuras geométricas para crear la imagen. Este cuadro fue creado por Picasso tras la Guerra Civil Española. A esto se debe el rostro triste de la señora. Por lo tanto, en mi opinión, Picasso por medio de esta obra, intenta comunicar el dolor y el sufrimiento de las señoras españolas durante la guerra en la cual se encontraban sus esposos batallando. Encuentro un poco irónico el cuadro ya que predominan colores llamativos que los asociamos con felicidad cuando la connotación de la obra es de tristeza. Los colores relacionados a la tristeza los podemos observar en el centro del cuadro, en el área del rostro de la mujer, lo que indica que está destrozada por el dolor. Sin duda es una obra muy interesante y de gran significado. En comparación a la obra Las señoritas de Avignon, discutida en clase, podemos observar unas señoritas que son prostitutas y parecen sentirse libres. En esta obra podemos observar, en comparación con en La mujer que llora, los rostros de las mujeres un poco deformados en lugar de tristes. Pero, ambas obras se distinguen por el cubismo.

    Obra: https://arquivolta.files.wordpress.com/2008/09/tatepicasso.jpg

  17. Claudia Santana Ochoa says:

    De los movimientos artísticos vanguardistas del siglo XX uno de sus representantes más prominentes es Jackson Pollock, un pintor estadounidense, que lideró el movimiento del expresionismo abstracto. Pollock redefine las categorías de dibujar y pintar, encontrando nuevos medios para describir los espacios pictóricos, mediante el abstraccionismo. Una de sus obras prominentes: Guardians of the Secret, fue pintada en el verano de 1943, donde usó el método surrealista plasmando el inconsciente como forma creativa. Se basa en el auge y reconocimiento de las teorías psicoanalíticas en este periodo desarrolladas por Sigmund Freud, las cuales fueron muy polémicas en sus inicios. Esta pintura se encuentra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, de 48 x 75 pulgadas. La pintura representa: “un frenesí de trazos, pinceladas y líneas sinuosas que texturizan y enmascaran efímeras formas derivadas de animales y seres humanos, zumbando y abundando en tres llanuras rectangulares verticales curadas por dos deidades totémicas abrumadoras y un sabueso puntiagudo en posición boca abajo directamente debajo del rectángulo blanco de “losa” donde la mirada del espectador está centrada. Al ser una obra abstracta su significado queda a interpretación del espectador. Algunas interpretaciones hacen referencia a la sexualidad, otras a figuras relacionadas con Moby Dick, entre otras identificaciones y acercamientos. En mi opinión, para tratar de comprender lo que trata de comunicar la obra, habría que partir de las circunstancias en que se encontraba Pollock, lo que estaba viviendo y o pensando en el momento en que la reprodujo, y como influye su entorno en ello. O el hecho de que Pollock asumió la técnica de pintar dejando revelarse al inconsciente, puede ser que esta obra sea el resultado de una serie de ideas y pensamientos al azar que venían a su mente ya sea natural o forzadamente, para lo que solo tendría significado e importancia seria su propio análisis e interpretación. Por lo que compararía esta obra con Las Meninas de Diego Velázquez ya que en ambos el autor se expresa a si mismo. En Las Meninas Diego Velázquez incluye su presencia como pintor de la corte de España en la obra, representando su rol, plasmando su visión de si mismo. Mientras que Pollock en Guardians of the Secret representa sus ideas y pensamientos, plasma su inconsciente, su sentir de si mismo.
    https://www.jackson-pollock.org/images/paintings/guardians-of-the-secret.jpg

  18. Abdiel Valentín Feliciano says:

    Jackson Pollock fue una figura clave para impulsar el arte expresionista por medio de lo abstracto. La obra Going West realizada en 1934-1935 fue uno de sus trabajos iniciales en la que se observa una tendencia a la convergencia de figuras del paisaje. Es casi como observar el lienzo a través de un drenaje de agua que está comenzando a moverse. Sin perder el sentido de lo que es real, a simple vista es notable que un pionero de fronteras está dirigiéndose hacia el oeste durante la noche con su ganado y carretas. Pollock original de los estados unidos, probablemente busco expresar el traslado histórico de los primeros colonizadores, evento importantísimo para la expansión de la nación. Traer este evento a la fecha en la que él pinto la obra cambia la perspectiva, de un ciudadano buscando oportunidad y aventura al cruzar la frontera, a la vida vuelta a sus raíces después de que la economía fallo en la gran depresión. Creo que esto es importante porque plasmo un periodo icónico de la nación con unos lentes distintos, y para el arte visual coloco un fundamento para violentar la línea física entre el exterior sensorial y el interior abstracto. Comparado con los retratos artísticos de Diego Velázquez, Pollock abre la puerta a un mundo caótico en las artes.

    https://www.google.com.pr/search?q=Going+West&stick=H4sIAAAAAAAAAONgFuLQz9U3MDE1NFDi1U_XNzRMKi_MLagyMtdSyk620i_LLC5NzIlPLCpBYmYWl1iV5xdlFz9ijOQWePnjnrBUwKQ1J68xenERoUlIhYvNNa8ks6RSSIqLRwpuvwaDFBcXnMcDADdX5hybAAAA&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwjAnZ7A8ZnbAhXKzVMKHUuXC_4Q_AUICigB&biw=908&bih=856#imgrc=uPbsHuRxRyT2vM:

  19. Peggy E Gonzalez Ojeda says:

    Escogí la pintura de Pollock titulada como “The Deep”. En esa pintura se puede apreciar a simple vista plumas pero en realidad es un símbolo de cuando nosotros no sabemos cuan profundo puede llegar cualquier cosa desconocida. Cito al pintor y analista de teoría del arte Wassily Kandinsky que dice: “ It was not for nothing that white was chosen as the vestment of pure joy and immaculate purity. And black as the vestment of the greatest, most profound mourning and as the symbol of death. The balance between these two colors that is achieved by mechanically mixing them together forms gray. Naturally enough, a color that has come into being in this way can have no external sound, nor display any movement. Gray is toneless and immobile. This immobility, however, is of a different character from the tranquility of green, which is the product of two active colors and lies midway between them. Gray is therefore the disconsolate lack of motion. The deeper this gray becomes, the more the disconsolate element is emphasized, until it becomes suffocating. ”. Wassily nos explica como dos colores nos puede llevar al simbolismo de pureza y muerte, de algo conocido y lo desconocido donde el color gris es la representación del vacío que una persona puede tener y el blanco es lo conocido que podemos sobrellevar. La importancia de esta pintura diría, que nos transmite, el ver que hay cosas que aún no podemos conocer porque no están al alcance; donde si empezamos a investigar lo desconocido nunca tendría fin a nuestra vida. En comparación con las obras Picasso, a causa que son 2 estilos sumamente diferentes, el cubismo y el expresionismo abstracto, puedo decir que Picasso en sus obras fueron impresionantes siempre darse entender los mensaje que quiere transmitir, ahora Pollock es una persona con un estilo de arte impresionante donde nos deja sin palabras, tenemos que apreciar por varias horas sus obras para poder describir que quiere transmitirnos. En fin, opino que Pollock es un pintor muy impresionante y sus obras aunque un poco complicado de poder describirlo en palabras son hermosas porque entiendo que nos quiere transmitir ese deseo de libertad de cada uno de sus obras.

    https://www.jackson-pollock.org/the-deep.jsp#prettyPhoto

  20. Ricardo Sotomayor Rodriguez says:

    Luego de estudiar obras de cada uno de los artistas mencionados, no pude dejar de pensar en lo desconcertado y frustrado que quedé luego de intentar descifrar el significado de la mayoría de las obras del pintor expresionista abstracto Mark Rothko. Aunque muchas de sus obras son similares en cuanto a su estilo y forma, los colores varían en cantidad. La pintura que escogí presentar es la No. 1, que en su esencia, es una combinación de tres rectángulos, uno azul, uno rojo y otro más rosado. Claramente cumple con la ideología del arte abstracto, el cual representa imágenes fuera de lo normal, que mezcla conceptos que reflejen una estética distinta a la natural. En vez de reducir mi pensamiento, intentando descifrar algún mensaje especifico en la pintura, opte por tomar una perspectiva más abierta y elemental. Lo primero que pasó por mi mente cuando vi los rectángulos en todas sus obras, pienso que quizás el pintor quiso representar ideológicamente el concepto de “ventanas”. Ventanas hacia una mente más abierta y más amplia, que pudiese quizás encontrar algún tipo de sentido espiritual o simbólico en las obras en base a sus colores. Quizás los colores más claros intentan transmitir algún mensaje positivo de que afuera de esa ventana existe una realidad feliz y alegre que la que uno pueda estar viviendo. Por lo contrario, los colores oscuros y opacos representarían visiones de tristeza y fracaso, depresión y dolor. En fin, El arte de Rothko claramente deja el cuadro abierto a la libre interpretación el espectador, de manera que, a base de su imaginación, este pueda apreciar la obra a su manera.

    http://www.markrothko.org/no-1-royal-red-blue-1954/

  21. Angeli Rivera says:

    En el mes de febrero tuve la oportunidad de visitar el Museum of Modern Arts, MoMA por sus siglas cortas, en Nueva York y entre las grandes obras que pude apreciar una de las que más me llamó la atención fue One: Number 31,1950 de Pollock. Para ser honesta, previo a la visita no tenía idea de quien era este artista pero luego de salir del museo quedé impresionada y comencé a buscar información sobre él, sin saber qué meses más tarde iba a aprender sobre él en clase. Jackson Pollock fue un gran pintor estadounidense nacido en el 1912 y fue una de las figuras más importantes del movimiento abstracto. Es reconocido por su estilo único de sus cuadros ‘dripping’. Definitivamente esta obra te cautiva y te hace enamorar del arte de Pollock. Es difícil poder concluir que tenía en mente Jackson mientras hacia la obra o que trataba de expresar pues al no tener una figura visible deja todo a la interpretación del que observa la obra. Si fuera a comparar esta obra con alguna discutida previamente en clase, la compararía con No. 5 1948 del mismo artista. En la misma utilizó la misma técnica de ‘dripping’ pero utiliza otro contraste de colores. Si algún día están en Nueva York, les recomiendo visitar el MoMA pues contiene obras no solo de Pollock sino de artistas como Picasso, Van Gogh y Frida Kahlo.

    https://www.moma.org/collection/works/78386

  22. Gerald Segarra says:

    Picasso fue uno de los pintores más importantes y elocuentes del post modernismo en las artes. Yo escogí la obra de Las Señoritas de Avignon donde Picasso comienza a utilizar la técnica del cubismo. Dicha obra presenta unas mujeres desnudas las cuales son prostitutas de un burdel. En mi opinión la obra es muy interesante porque coge un tema que había sido de tabú antes del siglo 20. En donde las figuras importantes y presentadas en la obras son simples damas de compañías presentando un tema sexual de alta estigmatización social inclusive hoy día. A diferencia de los cuadros de artes de Velázquez que solo presentaba a la realeza o a personas en cuartos reales. Picasso muestra la profesión más antigua del ser humano pintando al desnudo algo que no se ve en ninguna de las obras de Velázquez. En la obra de las Señoritas de Avignon podemos ver incluso unos colores más vivos y lucidos que el estilo pintoresco de Diego Velázquez en sus obras. Pero sin duda alguna esta obra de Picasso representa un asunto social de ámbito sexual característico de las obras del post modernismo. Lo más probable es una crítica por parte de Picasso con respecto al tema de la prostitución.

    https://artepedrodacruz.wordpress.com/2010/12/14/las-senoritas-de-avignon-y-el-inicio-del-cubismo/

  23. Soleil Ríos Cardona says:

    The painting I chose was Dora Maar au Chat by Pablo Picasso. It was painted in 1941 and presents one of Picasso’s most valued artistic companion and lover. Maar is shown sitting in a wooden chair with a small black cat behind her. She is wearing a very colorful dress and hat. The work is praised for its color and the intense patterns on the model’s dress. Maar was a very influential figure in Picasso’s life. The portrait seems to be representing how important she was to him. The way he paints her seems to show that he spent a lot of time looking at her and just admiring her. The painting displays her and unique and one of a kind. My favorite detail about the painting is the way he uses the light green. It almost looks neon but I love how it pops. It really captures the viewer’s attention. I found this painting to have some similarities with Picasso’s Three Musicians. Both works have a variety of beautiful colors and unique patterns. They both depict people in a relatively abstract form but the audience can still identify the characters and what they are. They also both stay true to Picasso’s individual style.

    Picture: http://static.guim.co.uk/sys-images/Guardian/Pix/pictures/2012/5/3/1336052106842/Dora-Maar-au-Chat-1941-by-006.jpg

  24. Sergio Rodriguez says:

    La pintura que escogí fue “La Danza” de Pablo Picasso, pintada en 1925. De acuerdo con el movimiento cubista y surrealista que Picasso dirigió esta pintura presenta una escena de tres personas bailando. Vemos a un hombre que aguanta a dos mujeres por la mano bailando simultáneamente. De forma similar a la obra discutida en clase “Les Demoiselle d’Avignon”, la pintura se destaca por la desnudez desfigurada de los protagonistas. Vemos que el cuerpo de ambas mujeres y el hombre este visto desde diferentes ángulos en distintas partes del cuerpo. Comenzando con el hombre, mas notablemente su rostro parece ser desproporcionalmente grande y visto desde su lado izquierdo por el cual vemos la figura de su nariz boca y barbilla. A pesar de esto también vemos dentro de su figura la figura del hombre, pero en una forma más proporcional. Ahora la mujer en el medio esta puesta de frente a la audiencia, pero su rostro esta desfigurado mirando hacia arriba. Interesantemente, esta asume una pose como Jesucristo en la cruz. Por ultimo la mujer a la izquierda y detrás de la figura central está igualmente bailando, pero en una pose inclinada como echándose hacia atrás. Hay un juego en el ángulo de su cuerpo y, su seno y brazo izquierdo. Creo que Picasso nos quiere comunicar que el rápido movimiento de los personajes en la obra distorsiona el ángulo en que vemos a cada uno en distintos momentos. Por eso en esta pintura vemos distintos ángulos de distintos momentos combinados en uno. Podemos decir que es casi como un time-lapse video pero puesto en una pintura.

    https://www.slobidka.com/images/picasso/Picasso-42.jpg

  25. Aymee C. Justiniano Martinez says:

    La obra que escogí fue “El viejo guitarrista ciego” realizado por el pintor cubista Pablo Picasso. Lo más interesante de este cuadro es como Este cuadro fue pintado en 1903 mediante técnica de óleo sobre lienzo, y sus medidas son de 121cm de alto x 92cm de ancho. En la actualidad este cuadro se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos. Es uno de los cuadros más característicos y destacados del Período azul de Picasso. Este cuadro muestra la imagen de un hombre mendigo tocando la guitarra, pero lo interesante del cuadro es como predominan los tonos azules del período azul de Picasso. Mediante el uso de estas tonalidades frías incluyen el color azul en la piel del mendigo se acentúa la tristeza del anciano. Pero a pesar de esto, mantiene la guitarra de un color marrón, el cual muestra un significado de esperanza para el mendigo, ya que se trata de su único modo se subsistir (tocando la guitara para recibir limosnas y de esta manera sobrevivir el día a día) Además se trata de un elemento de contraste en el cuadro ya que las líneas curvas de la guitarra se diferencian mucho del cuerpo delgado y triste del hombre mendigo. Esto intenta comunicar nuestra sociedad de hoy en día, en cómo debemos ayudarnos unos a los otros para no tener que llegar a este punto. En ayudar al prójimo cuando más lo necesite.

    Referencias:
    http://www.artemotion.art/el-viejo-guitarrista-ciego-de-pablo-picasso/

  26. Maria Gonzalez says:

    Se distinto y de alguna manera serás recordado para siempre. Así fue como le pasó al pintor estadunidense Jackson Pollock cuando creó la técnica llamada “dropping” que comenzó alrededor de los 1940. Se basa en dejar gotear pintura sobre el lienzo, utilizando diferentes colores, objetos e instrumentos. La pintura que he decido utilizar para esta actividad se llama “Full Fathom Five” creada en el 1947. Pienso que esta obra es una de las más importantes, ya que fue una de las primeras obras que Pollock creó utilizando esta técnica. Algo curioso que tiene la obra es que utiliza uñas y colillas de cigarrillos como componentes dentro de la pieza. Los colores que sobresaltan en el lienzo son el negro, blanco y azul, dándole un sentimiento de tristeza y melancolía a la obra. A lo mejor, esta pintura intenta de expresar lo que el sentía en su vida en ese momento, luego de varios tratamientos psicológicos para poder vencer su guerra con el alcoholismo. Si voy a comparar esta obra con alguna ya discutida en clase, utilizaría Number 5 (1948) creada por el mismo artista. Utilizó la misma técnica de “dropping”, sin embargo utiliza otros colores como amarillo y marrón. Esto evita sentir el sentimiento de tristeza, como cuando ves la otra obra.
    Para concluir, en el arte, la creatividad es un factor clave, el cual sin duda Pollock ejecutó de la mejor manera.

    https://www.jackson-pollock.org/full-fathom-five.jsp

  27. Shakira Perez says:

    “El viejo guitarrista ciego” es una obra pintada en 1903 por Pablo Picasso. Esta obra, perteneciente al periodo azul del artista, expresa y reclama las personas sencillas y la pobreza que se vivía en esta época. En el cuadro se pinta a un hombre (anciano) tocando una guitarra. Juzgando, quizás erróneamente, el hombre es de clase pobre y los colores que utilizo el pintor, azul hasta en el tono de la piel, denotan tristeza. Según EcuRed, aun así, la guitarra mantuvo su color marrón, lo que podría representar la esperanza que tenían las personas pobres de esta época. La época azul de pablo, fue marcada por la muerte trágica de su amigo, también pintor, Casagemas. Según la literatura, en esta época Picasso se dedicó a pintar cuadros que expresaran la profunda tristeza y miseria en la que él se sentía, añadiendo así la pobreza y melancolía que veía a sus alrededores. Los colores azules, para esta época, representaban la tristeza y miseria, por eso el nombramiento de la misma. En comparación con nuestros otros dos artistas, Rothko y Pollock, las obras de Picasso, a pesar de muchas de ellas ser abstractas, tienen una forma que se puede identificar a simple vista. En contraste, los patrones de Pollock, a pesar de que parezcan iguales, ninguno es repetible, por el contrario de Picasso, que, aunque cada obra es diferente, en muchas de ellas repite figuras humanas, paisajes, entre otras cosas. Algo que si tienen en común, además de que fueron grandes artistas, es que sus obras fueron excepcionales y reconocidas mundialmente.

    Referencia:
    https://www.ecured.cu/El_viejo_guitarrista_ciego

    https://www.slobidka.com/pablo-picasso/67-pablo-picasso-viejo-guitarrista.html

  28. Jossie M Mendez says:

    La Llorona “ The Weeping Woman” fue una obra en óleo en canvas realizada por Picasso en 1937 en la Francia. Se encuentra en la Tate Modern en Londres desde 1987. Es una pintura en óleo con una imagen de una mujer llorando, para que nos imaginemos en el rostro excoriado de esta mujer, en sus ojos oscuros, el sufrimiento, esta fue parte de su respuesta a ver fotografías de periódicos del bombardeo de la Luftwaffe de Guernica en nombre de Franco en la guerra civil española el 26 de abril de 1937. El modelo para la pintura fue Dora Maar, que trabajaba como fotógrafa profesional cuando Picasso la conoció en 1936; ella fue la única fotógrafa autorizada para documentar las etapas sucesivas de Guernica, mientras que Picasso la pintó en 1937. Es una obra que llama mucho mi atención ya que los colores y las diferentes dimensiones que tiene la cara de la persona tienes que enfocarte mucho para poder observar y entender bien la imagen. La mujer que llora está literal y metafóricamente encerrada en su propio dolor. La tragedia histórica y universal de Guernica se hizo personal y particular en la mujer que llora.

    Imagen: https://www.google.com.pr/imgres?imgurl=https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/1/14/Picasso_The_Weeping_Woman_Tate_identifier_T05010_10.jpg/200px-Picasso_The_Weeping_Woman_Tate_identifier_T05010_10.jpg&imgrefurl=https://en.wikipedia.org/wiki/The_Weeping_Woman&h=243&w=200&tbnid=ZPIHVlLq0-3joM:&tbnh=148&tbnw=122&usg=__no_DGGoHslnL-MH__SM1ZkSDBI8%3D&vet=10ahUKEwj20cjtu4jbAhVRpFkKHZ_8D1YQ_B0IrgIwFQ..i&docid=0haQqfj2KWWSLM&itg=1&sa=X&ved=0ahUKEwj20cjtu4jbAhVRpFkKHZ_8D1YQ_B0IrgIwFQ

  29. Rafael A. Cordero Villamil says:

    Si le preguntas a 100 personas, que te mencionen un pintor, 100 personas, te van a mencionar a Picasso. No es por menos, Picasso originó el movimiento cubista, que tomaría el arte del siglo XX por sorpresa, dejando a estudiosos anonadados, pensando ¿en que rayos esta pensando este tipo? Y es esa precisa pregunta, a la vez, la contestación de porque las 100 personas responden “Picasso”. De todas las famosísimas obras de este extraordinario hombre, me atrae mucho su obra “Girl with a Mandolin” por varias razones. Primeramente, la pose de la modelo; donde en su entera desnudez, Picasso logra plasmar el cuerpo de la misma, con todas sus curvas, en el estilo cubista que lo caracteriza. Segundamente, los colores; usualmente los pintores desean realizar un contraste entre fondo y figura… en este caso no. Picasso utiliza los mismos colores opacos para toda la pintura, y con todo y eso se puede distinguir lo que es el fondo, de la modelo sujetando la mandolina. Por último, me impresiona mucho como el pintor altera el cubismo en la mandolina, con el propósito de poder observar las cuerdas del instrumento, pienso que es el único detalle en la obra que rompe con el cubismo como lo conocemos. Los detalles de esta obra van de la mano con las demás obras de Picasso, en donde al igual que Guernica, el cubismo queda plasmado a la perfección, por medio de colores y figuras.
    https://modernism-literature-movement.weebly.com/girl-with-a-mandolin—pablo-picasso.html

  30. Natalia C. Badillo Vélez says:

    Al comienzo del semestre, se discutió ¿Qué es arte? y es una pregunta muy interesante con gran variedad de respuestas que realmente, como comentaba el autor, encontrar una sola respuesta contundente resulta en frustración. Porque es subjetivo y a la vez objetivo, es todo y es nada, es lo que tú piensas, es lo que haces sin pensar. Uno de los grandes artistas: Pollock, es interesante debido a su manera de percibir y crear arte. Sus dibujos parecieran ser simples gotas de pinturas que se dejaron a merced de la gravedad, sin embargo, me atrevo a decir que cualquiera que intentara copiar sus trabajos se daría cuenta que hay algo más detrás de todo esto. ¿Qué es? Arte. En esta obra de Jackson Pollock, la cual la pueden apreciar en el enlace anejo al final, es un ejemplo del expresionismo abstracto que lo caracteriza. Realmente no hay ninguna figura visible en la pintura, si no solo colores. Los colores son seleccionados para que creen una imagen agradable a la vista. Personalmente, creo que Pollock crea estos dibujos abstractos inspirándose en ciertas cosas, pero lo plasma a través de la combinación y selección de los colores. No solo es dejar caer la pintura si no que se necesita una coordinación fina del momento exacto y del color que caerá en qué parte del lienzo y así se forma el cuadro. Esto se parece mucho al cubismo discutido en clase porque ambos se pueden categorizar como arte abstracto. No obstante, se diferencian ya que, en el cubismo, si te fijas, puede que haya alguna figura distinguible; mientras que en el cuadro de Pollock no hay.

    Enlace de la pintura de Pollock: https://www.google.com.pr/imgres?imgurl=http://paintingandframe.com/UploadPic/jackson_pollock/big/convergence.jpg&imgrefurl=http://paintingandframe.com/prints/jackson_pollock_convergence-14070.html&h=570&w=959&tbnid=pgod-Wqt_Kks9M:&tbnh=160&tbnw=269&usg=__tohCEqbZwJkHm3uEH76g3olaDtg%3D&vet=10ahUKEwjQma3924HbAhUPPN8KHRqiBVMQ_B0IvQIwDA..i&docid=WllE05mVjuQI-M&itg=1&sa=X&ved=0ahUKEwjQma3924HbAhUPPN8KHRqiBVMQ_B0IvQIwDA#h=570&imgdii=pgod-Wqt_Kks9M:&tbnh=160&tbnw=269&vet=10ahUKEwjQma3924HbAhUPPN8KHRqiBVMQ_B0IvQIwDA..i&w=959

  31. Stephanie Sanchez Maldonado says:

    Pablo Picasso was born in 1881 in Málaga, Spain. He went through different forms of paintings all which are extremely fascinating, because he seems to play around with forms, shapes, colors, and perspectives. He believed that the truth is abstract and he portrayed that into his paintings . One painting that caught my attention is called “Weeping Woman”. By looking at her face it is obvious that Picasso wanted to portray not only one part of her face, but both sides by the way he added the other part of the eye. As the title can suggest, the woman sitting on the chair looks like she is in great pain. We can observe sorrow in her stare. Maybe that’s why Picasso wanted to paint both eyes, because like they say “the eyes are a window to your soul”. The way she is sitting also gives a sense of feeling smaller and trapped by the way she seems to be clenching her legs and how she makes herself smaller by crossing her hands on her thigh. When one is full of sorrow that’s what they tend to do, they make themselves smaller to not call any attention to themselves. To me, that’s what this painting is telling me. Obviously I could be wrong, because art doesn’t have one right answer most of the time. In a way this painting reminds me of the Mona Lisa. Not only because it looks like a portrait painting of a woman, but because of the sorrow in her stare. Some people have said that the Mona Lisa has a very particular and mysterious stare, some say it’s sorrow, other say she could be smirking. All we know is that her stare is very daunting, and mysterious. Also the way they are both sitting, crossing their arms in their lap, and the color black in their clothes is also quite similar. They are both very interesting, and captivating pieces of art.

    Image: https://goo.gl/images/VvaLiX